Au final, cela n’a pas tant d’importance que beaucoup de grands noms se soient abstenus de venir. Ceux qui sont venus à Venise, Adam Driver, Wes Anderson et Sofia Coppola notamment – certains grâce à des accords intérimaires avec les syndicats américains des scénaristes et des acteurs – ont unanimement exprimé leur soutien aux grèves d’Hollywood qui mettent en lumière les pratiques commerciales du cinéma. Et après un démarrage lent, nous avons pu profiter d’une belle sélection de films majeurs qui nous ont ravis sur le Lido. Venise conserve ainsi sa réputation de festival de premier plan, mais ce n’est pas encore un festival véritablement international. Cette année, la compétition était résolument américaine et européenne, à l’exception d’un film japonais, d’un film chilien et d’un film d’un réalisateur mexicain – Memory de Michel Franco, qui n’a pas encore été projeté au moment où j’écris cet article – mais avec une distribution nord-américaine dirigée par Jessica Chastain.

La sélection de Venise avait une orientation très grand public. La compétition ne débordait pas d’inventions expérimentales, mais nous avions tout de même le très attendu Poor Things de Yorgos Lanthimos, l’œuvre la plus joyeusement extravagante du réalisateur grec. Basé sur le roman d’Alasdair Gray, c’est un film fantastique victorien qui raconte l’histoire d’une jeune femme (Emma Stone) ressuscitée par un chirurgien à la Frankenstein (joué par un Willem Dafoe délicieusement excentrique). Avec un cerveau qui se développe rapidement et un corps et une libido de femme mature, elle se lance dans un voyage de découverte avec un roué arrogant (interprété par Mark Ruffalo avec un accent anglais très variable et insensé). Lanthimos et son équipe créent des images hallucinatoires (les costumes de l’héroïne, réalisés par Holly Waddington, sont à eux seuls délirants), et Stone offre une performance sauvage, spirituelle et audacieuse qui est un régal absolu.

Il y avait également des inventions plus excentriques dans la compétition, notamment un drame sur les OVNIS, The Theory of Everything, du réalisateur allemand Timm Kröger. Un mystère alpin inquiétant impliquant la théorie quantique, des doubles sur des skis et une femme fatale qui chante du jazz, magnifiquement filmé en noir et blanc et qui rappelle Le Mont analogue de Thomas Mann, réécrit par Philip K. Dick et filmé par Orson Welles. Le statut de film culte l’attend. Il y a également eu une réinvention du genre de la part du réalisateur français Bertrand Bonello. The Beast est une provocation très expérimentale qui se déroule à l’époque actuelle, au début du XXe siècle et dans un futur proche, avec Léa Seydoux et George MacKay dans les rôles de deux personnes vivant plusieurs vies. Le film est officiellement basé sur une histoire d’Henry James, mais malgré quelques scènes de salon de 1900, ce n’est en aucun cas votre film d’époque classique en linge blanc.

Le portrait de Leonard Bernstein par Bradley Cooper, intitulé Maestro, a été salué par la controverse, suscitant des inquiétudes quant au nez prothétique de Cooper – qui, selon la Ligue anti-diffamation et la famille Bernstein, n’avait rien d’antisémite. Si le maquillage n’était pas distrayant de manière nuisible, le style flamboyant et fastidieux pouvait parfois l’être, tout comme la performance un peu trop enthousiaste de Cooper, qui se regarde un peu trop lui-même. Mais le film adopte une approche elliptique et rafraîchissante de son sujet en évitant intelligemment l’approche des meilleurs succès de la carrière de Bernstein. Il n’est pas non plus moralisateur sur son hédonisme sexuel, tout en présentant les choses du point de vue de sa femme, Felicia Montealegre, de plus en plus acculée par les énergies excessives du maestro. Carey Mulligan, qui interprète ce rôle, offre une performance fabuleusement tranchante et nuancée qui est l’un des grands moments du festival et le meilleur de sa carrière.

En tant que biopic, Maestro a été plus convaincant que Priscilla de Coppola, basé sur les mémoires de Priscilla Presley, l’ex-femme d’Elvis. Cailee Spaeny offre une interprétation touchante dans le rôle principal, aux côtés de Jacob Elordi tout aussi réservé, mais le film donne l’impression d’un téléfilm de luxe et, malgré les détails impeccables de l’époque, ne dépasse jamais sa prémisse dorée. Il semble raconter l’histoire de deux personnes plutôt ennuyeuses vivant une vie ennuyeuse, à l’exception de l’une d’entre elles, une idole pop, et de l’autre une adolescente timide et perplexe.

Parmi les plaisirs grand public, on trouve Bastarden de Nikolaj Arcel, essentiellement un western scandinave du XVIIIe siècle, avec Mads Mikkelsen, impassible et à la mâchoire carrée, dans le rôle d’un soldat tentant de cultiver les étendues désolées du Jutland. C’était l’un des récits les plus captivants, tout comme Le Tueur de David Fincher. Ce dernier met en scène Michael Fassbender dans le rôle d’un assassin professionnel, impitoyable, invisible et silencieux – sauf lorsqu’il délivre la longue monologue en voix off des séquences d’ouverture. Lorsqu’un travail à Paris tourne mal (peut-être distrait par ses propres cogitations existentielles), il se lance dans une mission de vengeance, exécutée avec la même perfection glaciale que Fincher apporte à sa réalisation. Mélangeant un soupçon de film d’action hongkongais avec la froideur glaçante du maître du thriller français Jean-Pierre Melville, c’est du genre de haut niveau – et vous avez même droit à une blague sur les ours racontée par Tilda Swinton.

Les intouchables intérieurs du vaudeville Eurotrash de Polanski ressemblaient davantage à un Travelodge en attente de rénovation

Deux invités vétérans n’étaient pas les bienvenus aux yeux de tous – Roman Polanski et Woody Allen, tous deux accueillis par des protestations contre leur inclusion. La grande surprise est que Allen, qui ces dernières années s’est contenté de faire le strict minimum, a retrouvé un peu d’éclat en réalisant un film en français. Coup de Chance est une comédie sur un triangle amoureux parisien qui prend une tournure très sombre, étonnamment rythmée, avec des performances intelligentes de Melvil Poupaud et de la jeune étoile montante Lou de Laâge, et qui a fait le plus rire lors du festival avec son retournement final. Quant à Polanski, bien que ses films récents aient maintenu son statut de maestro – notamment le drame historique J’accuse, qui a été présenté en première à Venise en 2019 – The Palace était affreux au-delà de toute imagination. Cette farce Eurotrash sans joie, qui se déroule dans un hôtel suisse lors du réveillon du Nouvel An 1999, met en scène une galerie de personnages grotesques, dont un financier vulgaire (Mickey Rourke), un milliardaire texan âgé (John Cleese, déprimant) et un groupe de victimes de la chirurgie esthétique âgées. C’est à la fois vulgaire et mesquin, et les intérieurs soi-disant luxueux ressemblent davantage à un Travelodge en attente de rénovation.

Certains des films de la compétition étaient très ancrés dans l’état du monde, avec des résultats mitigés. Le japonais Ryûsuke Hamaguchi, lauréat d’un Oscar pour son magnifique Drive My Car, a proposé le mystérieux Evil Does Not Exist, un drame rural sur des citadins qui viennent ouvrir un terrain de glamping dans un village tranquille. Partiellement sur la cruauté de l’entreprise capitaliste, partiellement poème envoûtant sur la majesté mystique de la nature, le film est extrêmement captivant et gracieux, mais il a divisé les spectateurs avec sa fin énigmatique, plongée dans l’obscurité, où la nuit et le brouillard enveloppent les derniers mystères.

Le duo polonais Malgorzata Szumowska et Michal Englert ont présenté Woman of …, un drame trans crédible mais solennel qui était moins éloquent sur la transition de son protagoniste que sur celle de la Pologne post-communiste. Puis il y a eu Origin, du réalisateur d’Un