Voici un article concernant le premier long métrage confiant de la réalisatrice coréenne-canadienne Céline Song. Cette histoire captivante est une histoire de rencontres pas si brèves entre des âmes en décalage, se déroulant sur une période de 24 ans. C’est un mélange de l’envie douloureuse de l’amour à la Wong Kar-Wai dans « In the Mood for Love » avec l’intimité décontractée de la trilogie de Richard Linklater « Before ». Il peint un tableau d’affection non résolue aussi délicate que profonde, mêlant des thèmes intemporels du destin et de la providence avec des réflexions plus ludiques sur le hasard et l’identité changeante. Le résultat, qui a un pied en Corée du Sud et l’autre en Amérique du Nord, ressemble par moments à un mélange impossible de « Return to Seoul » de Davy Chou et de « Sleepless in Seattle » de Nora Ephron, avec une mélancolie stoïque qui rappelle les dernières scènes de « Tokyo Story » de Yasujirō Ozu.

Voici les points importants de l’article :
– Premier long métrage confiant de la réalisatrice coréenne-canadienne Céline Song.
– Une histoire de rencontres pas si brèves entre des âmes en décalage, se déroulant sur une période de 24 ans.
– Un mélange de l’envie douloureuse de l’amour à la Wong Kar-Wai dans « In the Mood for Love » avec l’intimité décontractée de la trilogie de Richard Linklater « Before ».
– Un tableau d’affection non résolue aussi délicate que profonde, mêlant des thèmes intemporels du destin et de la providence avec des réflexions plus ludiques sur le hasard et l’identité changeante.
– Un film qui a un pied en Corée du Sud et l’autre en Amérique du Nord, ressemblant à un mélange impossible de « Return to Seoul » de Davy Chou et de « Sleepless in Seattle » de Nora Ephron.
– Une mélancolie stoïque qui rappelle les dernières scènes de « Tokyo Story » de Yasujirō Ozu.

L’article s’ouvre dans un bar de New York, où un client invisible demande : « Qui pensez-vous qu’ils sont les uns pour les autres ? » La caméra 35mm du directeur de la photographie Shabier Kirchner se fixe sur un trio de clients – le Sud-Coréen Hae Sung, l’émigrée coréenne-canadienne Nora et l’Américain juif Arthur – et la voix anonyme « n’a aucune idée » de la manière dont ils pourraient être liés, que ce soit en tant que frères et sœurs, collègues ou amoureux.

À partir de là, nous remontons 24 ans en arrière à Séoul, où les amis d’école Na Young (le nom original de Nora) et Hae Sung ont une connexion compétitive. « Il est viril », déclare-t-elle, « Je vais probablement l’épouser ». Mais ses parents artistiques ont d’autres projets, émigrant à Toronto, séparant ainsi les amoureux potentiels.

Douze ans plus tard, le couple se retrouve virtuellement via Facebook et Skype, partageant des conversations brouillées menées aux extrémités opposées de la journée, de part et d’autre du monde. Il a effectué son service militaire et étudie l’ingénierie, tandis qu’elle est devenue dramaturge. Ensemble, ils parlent de tout et de rien – le film « Eternal Sunshine of the Spotless Mind » ; à quel point ils étaient proches enfants ; comment il la réconfortait quand elle pleurait. Maintenant à New York, elle a arrêté de pleurer, en partie parce que « personne ne se préoccupait » et en partie parce qu’elle n’est plus la personne qu’elle était, s’étant réinventée à une époque différente, dans une culture différente.

Lorsque le concept coréen de « in-yun » (une connexion personnelle transcendant les vies) est explicitement évoqué et discuté, « Past Lives » semble devenir un romance traditionnelle « fait l’un pour l’autre » avec un twist de triangle amoureux familier. Pourtant, Song s’intéresse davantage à explorer comment les gens changent qu’à comment ils restent ensemble – comment l’identité est définie autant par l’endroit où nous sommes maintenant que par qui nous étions alors. Ce n’est pas un hasard si, lorsque le titre du film apparaît à l’écran, les deux mots « Past » et « Lives » sont séparés par un grand espace. Ensemble, ces mots signifient une chose ; séparés, ils impliquent autre chose.

Un autre bond de 12 ans nous ramène à ce bar, revisitant la scène d’ouverture d’un point de vue différent – ou, plus précisément, de trois points de vue différents. « Nous étions juste des bébés à l’époque », dit Nora à Hae Sung à l’ombre du pont de Brooklyn. « Nous ne sommes plus des bébés. » Plus tard, avec une touche de flair diasporique à la fois humoristique et déchirante, elle note que Hae Sung est « Si coréen. Je me sens si non-coréenne quand je suis avec lui. Mais aussi plus coréenne… »

Il y a quelque chose d’assez époustouflant dans la facilité trompeuse avec laquelle la première incursion cinématographique de Song jongle avec le métaphysique et le factuel, créant un monde où chaque décision a un pouvoir transformateur et où les concepts d’amour et d’amitié sont à la fois mystérieusement malléables et étrangement inévitables. Song était peut-être connue jusqu’à présent en tant que dramaturge, mais à en juger par cette preuve, elle a une brillante carrière sur grand écran devant elle.

Applaudissements à la distribution principale, qui fait un travail miraculeux pour représenter les conflits internes et l’extase avec le moindre inclinaison de la tête, ou un discret changement d’épaule. La musique sublimement subtile de Christopher Bear et Daniel Rossen complète le tableau parfait, se situant quelque part entre les thèmes lyriques de piano de la bande originale de « Drive My Car » de Eiko Ishibashi et l’étrangeté enivrante du travail de Jon Brion sur « Punch-Drunk Love », remplie de découvertes hésitantes, de possibilités magiques et (surtout) de la douleur douce-amère de la vérité.