Tellement élégant, tellement stylé, tellement extrêmement et éternellement cool. En quelques mots, le deuxième long métrage d’Agnès Varda semble être un coup dur : Cléo Victoire (Corinne Marchand), une chanteuse de Paris, attend nerveusement les résultats d’une biopsie. En termes plus spécifiques, cela semble plutôt banal : se déroulant en temps réel, Cléo passe sa journée à traîner, aller dans un café, essayer des vêtements, passer du temps dans son appartement avec des amis, se promener dans les rues, prendre des taxis. Mais la délicatesse totale de Cléo de 5 à 7 réside dans son exécution, sa forme et son esthétique nées du mouvement cinématographique le plus cool de tous : la Nouvelle Vague française, auquel la légendaire Varda a contribué de manière essentielle. Voici les points importants de cet article :

– Cléo de 5 à 7 est un film de la Nouvelle Vague française réalisé par Agnès Varda.
– Le film raconte la journée d’une chanteuse, Cléo Victoire, qui attend les résultats d’une biopsie.
– La forme et l’esthétique du film sont influencées par la Nouvelle Vague française.
– Le film se déroule en temps réel, montrant les activités quotidiennes de Cléo.
– Paris dans les années 60 est le cadre du film.
– Le film utilise des techniques de réalisation variées pour créer une tonalité cohérente.
– Cléo de 5 à 7 est divisé en 13 chapitres.
– Le film offre une expérience cinématographique rare et élégante.

Le film commence en couleur, avec des plans aériens de cartes de tarot qui peuvent être comparés au travail de Wes Anderson. Une fois que Cléo reçoit un sombre pronostic (bien qu’il ne s’agisse pas d’un pronostic médical) – le diseur de bonne aventure proclamant « la maladie est sur vous » alors que la chanteuse tire la carte de la mort – le film passe en noir et blanc et suit Cléo qui sort de la pièce. Juste avant de quitter le bâtiment, Varda insère l’un des nombreux plans de miroirs utilisés pour suggérer que la tristesse de la protagoniste est liée à sa beauté et à sa vanité. « Tant que je suis belle, je suis vivante », dit-elle en observant son reflet – mais cela n’est pas le regard d’une personne heureuse d’être l’une ou l’autre de ces choses. Dans la rue, Cléo passe devant différents commerces et personnes, c’est là que les délices cosmopolites commencent. Le film de 90 minutes (qui contredit le titre – peut-être que « Cléo de 5h à 6h30 » ne sonne pas aussi bien) révèle les différentes facettes de la richesse et de l’étendue de l’expérience de la ville. Il y a des tramways et de la circulation ; des gens qui se gênent mutuellement et d’autres qui évitent les ennuis ; des bohèmes à un coin de rue, des hommes d’affaires au suivant ; et l’appartement chic de la protagoniste – qui a pour une raison quelconque une balançoire dedans.

« De nos jours, les gens meurent soudainement – surtout les artistes », observe Cléo, tout en se balançant sur cette balançoire ridicule. Un amoureux lui rend visite, puis deux amis, se regroupant autour du piano pour jouer, chanter et fumer (une exigence légale pour être français, sans aucun doute). Mais l’humeur de Cléo se gâte et elle les renvoie. Tout au long du film, diverses personnes entrent et sortent, mais il semble difficile de les qualifier de personnages secondaires ou de soutien ; c’est le film de Cléo, du début à la fin.

Un peu après la moitié du film, lorsque Cléo visite le fameux café Le Dôme (connu pour attirer une clientèle comprenant Pablo Picasso et Ernest Hemingway), Varda adopte une perspective à la première personne pour naviguer dans l’espace, la caméra incarnée agissant désormais comme les yeux de la protagoniste. Varda utilise tellement de techniques différentes, potentiellement discordantes, qu’il est étonnant que l’expérience soit si tonalement cohérente. La caméra est fixe, la caméra erre ; les coupes sont rapides, les prises sont longues ; le cadre fait une pause pour savourer les visages de certaines personnes et passe rapidement devant les autres.

Cléo de 5 à 7 est divisé en 13 chapitres, ce qui est le seul détail que je n’aime pas particulièrement, la somme de ses parties étant si merveilleusement mélodique et cohérente. Il est rare qu’un film aussi beau et élégant lance des répliques comme « Autant être déjà mort ». Pourtant, tant de choses dans ce film sont exceptionnellement rares, y compris la façon dont le temps lui-même se déploie, comme un seul long moment fluide, un exemple classique du concept de « temps réel ». Les films sont parfois décrits comme étant des capsules temporelles ou des mausolées – mais regarder celui-ci, qui est toujours dans le présent, une heure pour la protagoniste équivalant à une heure pour nous, ressemble davantage à entrer dans un portail. De l’autre côté, nous arrivons à Paris dans les années 60, avec Cléo Victoire comme notre belle et triste guide. Il n’y a pas le moindre soupçon que le film s’éternise. Nous pourrions la regarder se promener pendant des heures ; cet exercice joyeux d’élégance et de style n’a jamais d’âge.