Terence Davies, le grand artiste britannique du cinéma, était reconnu pour ses œuvres traitant de l’expérience de la classe ouvrière catholique et de l’identité gay. Passionné de cinéma, il était également une personnalité élégante et sûre d’elle, avec une voix magnifiquement résonnante qui aurait pu appartenir à une idole de théâtre.
J’ai levé mon verre de rosé avec un Davies rayonnant et Mark Cousins lors du festival de Cannes en 2008, après la première triomphante de Of Time and the City, le magnifique documentaire personnel de Davies sur sa ville natale de Liverpool. Il a réussi à ressusciter cet endroit à l’écran avec amour et sans clichés. À partir de ce moment-là, il a eu la satisfaction de savoir que les années de négligence relative qu’il avait connues en tant que cinéaste étaient révolues et qu’il était à nouveau une figure incontournable du cinéma mondial.
Il était l’un des grands réalisateurs de films personnels et autobiographiques – avec Of Time and the City, bien sûr, mais aussi avec sa fervente évocation de l’enfance dans The Long Day Closes (1992), son chef-d’œuvre passionné et douloureux Distant Voices, Still Lives (1983) et sa trilogie précoce et mystérieuse Children (1976), Madonna and Child (1980) et Death and Transfiguration (1983) – des superbes films qui, du point de vue littéraire, pourraient être comparés à Beckett ou BS Johnson.
Le mot-clé ici est la transfiguration. Pour Davies, l’acte de mémoire et de cinéma transfigurait la douleur et la honte de ce qu’il avait enduré en matière de mauvais traitements et de bigotisme dans sa propre vie. Sans ironie ni affectation, il associait sa croyance religieuse précoce à ces expériences d’enfance : c’étaient ses stations du chemin de croix. Comme Proust, il voyait le lien terrible entre l’art et la souffrance comme des agents de vérité et de fixité du sens.
Ses films – surtout ses premières œuvres les plus personnelles – n’étaient pas des expériences faciles, et ce n’était pas leur intention. Distant Voices, Still Lives est inoubliable, peut-être parce que les adjectifs dans le titre sont trompeurs. Les voix sont immédiatement présentes, les vies sont vivement en mouvement. L’austérité, la beauté et l’art de ce film sont révélateurs. Il est aussi captivant que n’importe quel thriller et Davies trouve une performance magistrale dans l’interprétation du grand acteur Pete Postlethwaite en tant que père terrifiant qui règne sur sa famille de classe ouvrière avec la peur – mais qui est secrètement tourmenté par la peur lui-même et capable d’humour et de douceur. L’attitude de Davies est complexe, et dans ce film, on peut voir un autre de ses grands thèmes : le désir de pardonner et le terrible fardeau qu’il impose.
The Long Day Closes, de 1992, était une autre étude épiphanique de l’enfance, un ciné-poème des premières expériences, et ici Davies – comme Fellini, Scorsese, Truffaut et Spielberg – évoque le fait d’aller au cinéma comme une observance religieuse, mais avec du plaisir là où la honte et la misère pourraient autrement s’installer. Son plan du soleil qui glisse sur un tapis est une merveille : ce sont des choses que les enfants regardent et que les adultes oublient de voir.
Au fur et à mesure que les années 90 se sont écoulées, Davies a trouvé de plus en plus difficile de réaliser des films, mais son adaptation du roman The Neon Bible de John Kennedy Toole en 1995 a transposé sa vision distinctive dans un cadre américain. Il en a été de même pour son superbe traitement de The House of Mirth d’Edith Wharton en 2000, avec Gillian Anderson, une adaptation qui se compare facilement avec The Age of Innocence de Scorsese.
Plus tard dans sa carrière, Davies s’est consacré aux adaptations littéraires – reconnaissant peut-être qu’elles étaient plus commercialement acceptables – et les a réalisées avec une grande intelligence et une grande sensibilité. Sa version de The Deep Blue Sea de Rattigan en 2011 était un compte rendu très daviesien de la solitude et de l’amour romantique avec Tom Hiddleston et Rachel Weisz ; il a apporté la même intensité et la même sévérité à Sunset Song de Lewis Grassic Gibbon en 2015. Son dernier film, Benediction, était une belle étude du poète de guerre Siegfried Sassoon, revenant, dans une certaine mesure, à ses thèmes antérieurs de la sexualité gay et de la façon dont les passions séculières se transforment en formes d’adoration.
Récemment, il travaillait sur une formidable adaptation du livre The Post Office Girl de Stefan Zweig – et nous devons espérer qu’elle sera peut-être achevée à titre posthume.
Je dois également mentionner l’expérience assez extraordinaire d’enregistrer un commentaire audio avec lui et Matthew Guinness (fils d’Alec) du film de Ealing Kind Hearts and Coronets. Pour lui, se plonger dans ce classique était une expérience presque extatique, une séance virtuelle avec chaque contributeur créatif du film. Il semblait connaître chaque réplique, chaque scène, chaque indication musicale ; son appréciation était passionnante. C’était un réalisateur remarquable. ### Points importants :
– Terence Davies, artiste britannique du cinéma
– Réalisateur de films personnels et autobiographiques
– Ses premières œuvres étaient austères, mais captivantes
– La transfiguration comme thème clé dans son travail
– Ses adaptations littéraires ont été très appréciées
– Dernier film sur le poète de guerre Siegfried Sassoon
– Travaillait sur une adaptation de Stefan Zweig avant son décès
– Expérience d’enregistrement d’un commentaire audio avec lui pour le film Kind Hearts and Coronets.

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