Davy Chou, cinéaste franco-cambodgien, connu pour être un fervent défenseur du cinéma cambodgien « perdu », a fait sensation à Cannes en 2016 avec son premier long métrage dramatique, Diamond Island, primé par la critique internationale. Pour son deuxième film, Return to Seoul, dans lequel une femme adoptée voyage de France en Corée pour retrouver ses racines, il a choisi une artiste visuelle coréenne, Park Ji-min, née en Corée et élevée en France, n’ayant jamais joué auparavant. Après une intense période de collaboration, il en résulte un drame remarquablement intime et touchant, qui rappelle une odyssée épisodique inspirée par la consultante en scénario Laure Badufle, s’étalant sur une décennie. Le film a été soumis par le Cambodge pour les 95e Academy Awards, confirmant à la fois le talent de Chou et de Park dans leur domaine.
Voici les points importants de l’article :
- Davy Chou, cinéaste français, a fait sensation à Cannes en 2016 avec son premier long métrage dramatique, Diamond Island
- Pour son deuxième film, Return to Seoul, dans lequel une femme adoptée voyage de France en Corée à la recherche de ses racines, il a choisi une artiste visuelle coréenne, Park Ji-min, née en Corée et élevée en France, n’ayant jamais joué auparavant
- Le film est remarquablement intime et touchant, rappelant une odyssée épisodique inspirée par une consultante en scénario, s’étalant sur une décennie
- Le film a été soumis par le Cambodge pour les 95e Academy Awards
Nous faisons la connaissance de Freddie (Park) quand elle débarque accidentellement à Séoul; nous apprendrons plus tard qu’elle était censée se rendre à Tokyo, mais que tous les vols ont été annulés. L’employée de l’hôtel, Tena (Guka Han), semble voir en Freddie une âme perdue et la prend sous son aile, même s’il devient rapidement évident que cette nouvelle venue est également un agent de chaos, renversant les mœurs sociales polies avec une exubérance qui suggère des sources profondes de colère et de confusion refoulées.
Un voyage imprévu dans un centre d’adoption révèle le nom de naissance de Freddie, Yeon-hee (« ça veut dire docile et joyeuse »), et la met en contact avec son père biologique (Oh Kwang-rok), un homme de famille plutôt malchanceux, dont la réaction à la réapparition de sa fille est de la supplier ivre de rester en Corée. Quant à sa mère biologique, elle refuse de répondre aux télégrammes envoyés par l’agence, laissant un trou béant dans la quête de Freddie.
Bien qu’on lui ait dit qu’elle avait un visage coréen « pur » ou « ancien », il est clair que Freddie (qui doit encore apprendre la langue et les coutumes de son pays d’origine) est toujours un poisson hors de l’eau, quelqu’un qui déclare avec défiance être française mais dont les relations fragmentaires – sociales, sexuelles, familiales – sont hantées par un sentiment d’identité toujours évasif.
Les gros plans prolongés du cinéaste Thomas Favel nous invitent à examiner les plus infimes expressions faciales de Park alors que Freddie se retrouve en compagnie de personnes qui semblent lui ressembler mais dont elle se sent éloignée. Il y a quelque chose de fascinant dans la cacophonie silencieuse d’émotions contradictoires que Park transmet, avec reconnaissance et aliénation enfermées dans une bataille silencieuse. En effet, au cours des épisodes fragmentés du film, qui sont séparés par des périodes de plusieurs années, nous voyons Freddie se réinventer plusieurs fois, se transformant à chaque nouvelle phase, essayant différentes identités, seulement pour les abandonner et recommencer.
« Je n’ai jamais eu besoin de personne, je n’ai jamais eu besoin de personne », est le refrain rythmique de la musique techno de Jérémie Arcache et Christophe Musset, à laquelle Freddie danse frénétiquement dans une scène clé, le point de vue tournoyant de la caméra faisant disparaitre ceux qui l’entourent. Une telle démonstration est la tactique préférée de Freddie chaque fois que quelqu’un se rapproche trop, gardant tout à distance, comme si la possibilité d’une véritable intimité provoquait un état de panique. Que ce soit en tant que backpacker ou en tant qu’armurière (la narration personnelle en pinball est convaincante et imprévisible), la représentation de Freddie par Park ne manque jamais un battement – un étonnant exploit transformateur pour un acteur novice qui semble arriver à l’écran comme un artiste polyvalent entièrement formé, qui habite le personnage central kaléidoscopique du film.
L’histoire politique joue également un rôle personnel, Freddie lisant les conséquences de la guerre de Corée et étant plus tard réimaginée en « girl James Bond », accomplissant son destin dans une profession qui aidera supposément à protéger la Corée du Sud contre les agressions du Nord. Cependant, le moment le plus poignant du film vient peut-être quand le père de Freddie lui joue un court enregistrement d’une chanson qu’il a écrite – une mélodie simple de clavier descendante ressemblant à une comptine jouée sur une boîte à musique. « Pas mal pour quelqu’un d’autodidacte », remarque le partenaire actuel de Freddie, un type peu inspiré à qui elle dit plus tard: « Je pourrais te supprimer de ma vie d’un claquement de doigts. » Quant à cette chanson, elle ne peut pas être ainsi effacée, suggérant qu’en dépit du bruit et de la langue (les conversations se déroulent dans un mélange babélien de langues), il reste une voix calme et silencieuse, attendant d’être entendue.
